Luc Moullet, ein seltenes Beispiel eines Filmemachers und Kritikers, Autor des legendären Satzes: „Moral ist eine Frage der Kamerafahrt.“

Es gibt Kritiker, für die das Schreiben wie das Öffnen einer Tür ist, die zu einer Vision des Films (und der Welt) führt, die vor dem Text nicht existierte, wie zum Beispiel Serge Daney. Oder diejenigen, die die Schrift wie scharfe und vergiftete Pfeile verwenden, wie Pauline Kael. Oder diejenigen, die in ihren Werken die Höhen und Tiefen der Moderne verarbeiten, wie Manny Farber. Doch es gibt weit weniger Kritiker, die mit Worten spielen können, wie Luc Moullet. Der 87-jährige Moullet ist der Überlebende einer mythischen Ära: der 1950er Jahre, die die Zeitschrift Cahiers du Cinéma und das Aufkommen der neuen Wellen hervorbrachte.

Wie bei allem anderen müssen wir auch hier Oscar Wilde und seinen Maximen folgen, dass große Kunst das notwendige Ergebnis großer Kritik sei: Die Neuerfindung des Kinos in den 1960er Jahren ist ohne die explosionsartige Zunahme an Zeitschriften, Texten und Arten, Filme zu sehen und darüber zu sprechen, im vorangegangenen Jahrzehnt nicht vorstellbar. Eine Generation von Filmfans vermischte zwei Berufe, die sich bis dahin kaum berührt hatten: Filmemachen und Schreiben über Filme. Irgendwann entschieden sich diese Filmemacher und Kritiker für Letzteres: Godard und Truffaut gaben die Kritik auf, um sich ganz der Regie zu widmen. Doch Moullet , ein Anachronist, behielt beide Jobs bei: Er drehte eine große Zahl von Filmen, die nur sehr wenige Leute sahen, wie etwa die unglaublichen Filme Brigitte et Brigitte oder Une aventure de Billy le Kid , und er schrieb weiterhin regelmäßig Kritiken.

Ein Teil von Moullets Werken wurde fast schlagartig auf Spanisch zugänglich: 2021 veröffentlichte Serie Gong „Política de los actores“ , und jetzt sammelt Monte Hermoso in „Notas selectas“ Rezensionen aus verschiedenen Epochen und Medien. Von Griffith bis Guiraudie , 2009 in Frankreich veröffentlicht. Die von Quintín (dem das Buch gewidmet ist) überarbeitete Übersetzung von Cecilia Nuin ist bemerkenswert sorgfältig, ein Markenzeichen des Verlags, das jeder Leser in den über Olivier Assayas, Jonathan Rosenbaum und Manny Farber veröffentlichten Büchern finden kann.

Die Gliederung der Texte erfolgt nicht chronologisch, sondern thematisch. Das Kommen und Gehen der Jahre und Jahrzehnte erzeugt einen besonderen Effekt: Anstatt einer Flugbahn oder einer Art Entwicklung zu folgen, zeigt das Buch einen Kritiker, der sich seinen Ideen, bestimmten Filmen und Regisseuren und einer Art, Kritik zu verstehen, verpflichtet fühlt. Moullet jongliert mit Worten, sammelt Ideen und verwendet sie, um verworrene Argumente zu konstruieren oder sie in die Pointe eines Witzes einzubauen – und das alles mit der gleichen Anmut. Viele Texte enthalten ein kurzes Vorwort des Autors.

In einem davon erinnert sich Moullet , dass Rohmer ihm einmal erklärt habe, dass er Buñuels Filme mochte, weil sie tief im Inneren beide Clowns seien. Es ist unmöglich, in Moullets Kritiken nicht die clownesken Anklänge an Pirouetten, körperliche Fähigkeitentests oder sich selbst gegenüber schikanöse Bemerkungen zu entdecken (eine Höflichkeit, die man bei anderen Kritikern nur schwer findet). Diese Zirkusbegeisterung durchdringt Moullets Gedankensystem und ermöglicht ihm beispielsweise, sich halluzinatorische Taxonomien vorzustellen, wenn er etwa die Produktionen von Regisseuren aus aller Welt nach ihren Sternzeichen oder, noch außergewöhnlicher, nach französischen Regionen ordnet (über Regisseure aus dem Norden, wie Julien Duvivier, sagt er: „Die schwierige soziale Realität der Region hat sie zu einem trägen Naturalismus getrieben“).

Moullet analysiert alles mit der gleichen Sorgfalt: Der obsessive Blick ist das Hauptmotiv seiner Texte, egal ob es sich um einen Film oder einen Bericht über die französische Filmszene handelt („In exklusiven Kinos schneidet ein Angestellter Ihre Eintrittskarte ab, die die Platzanweiserin dann noch einmal abschneidet. Das ist völlig sinnlos, es soll nur gut aussehen und Ihnen das Gefühl geben, Sie betreten ein Theater oder eine Oper.“).

Die Liebe zum Detail und der gewandte Humor sind Aufspürer von Charakterzügen des Autors, die selten oder unzureichend hervorgehoben werden (die Paradoxien des Truffaut-Kinos: Doinel wird gefangen genommen, als er die Schreibmaschine zurückgibt), oder sie helfen, festgefahrene Allgemeinplätze zu widerlegen (auf die angebliche Menschenfeindlichkeit und den Antiklerikalismus, die Buñuel stets zugeschrieben werden, antwortet Moullet, dass der Spanier seine Figuren mit Respekt und „mit beinahe christlicher Demut“ behandle). Moullet scheint mit kurzen oder mittellangen Notizen besser zurechtzukommen als mit langen Essays: Aufgrund der Länge tendiert sein Schreiben zu konzeptionellen Formulierungen, die den Rhythmus kürzerer Rezensionen untergraben (die einzige Sünde, die man „Politics of Actors“ zuschreiben kann).

Ein legendärer Text über Samuel Fuller enthält den Satz, der ihn beinahe berühmt gemacht hat: „ Moral ist eine Frage der Kamerafahrt“ , der erstmals in der Umkehrung von Godard bekannt wurde (im Vorwort meint Moullet aufrichtig: „Beachten Sie, dass ein kleiner Satz in diesem Artikel mehr zu meinem Ruf beigetragen hat als die meisten meiner Texte“). Fullers Porträt als Wilder, der roh, „mit seinen Füßen“, filmt, ohne das Kino in ein Vehikel für intellektuellen Verkehr zu verwandeln, verdichtet seine erstaunliche Fähigkeit zur Analyse und polemischen Intervention. Wer glaubt, Kritik sei eine aussterbende Kunst, dem werden Moullets verspielte und leuchtende alte Texte diesen Verdacht sicherlich bestätigen.